En ese caso puedes intentar con el crowdfunding para cubrir el costo recolectando aportes y donaciones de personas que no quieren una tajada del valor, sino que quieren ayudar a que el proyecto se realice. Cuando se construían las catedrales en el medioevo también se hacía en base a las donaciones del pueblo circundante, que complementaban el aporte original que hacía la iglesia. Los mercaderes del pueblo juntaban plata con bingos, rifas, tallarinatas bailables y otras actividades no porque quisieran ser dueños de una parte de la catedral, sino porque querían que existiera. Las  familias más ricas de la región financiaban otro tanto a cambio de poner su nombre a las pequeñas capillas laterales. Eso se sigue haciendo hasta el día de hoy, pero en la internet se ve poco porque es más masivo el otro modelo, ese donde todos quieren un porcentaje de lo que resulte.

Idea.me viene a llenar este vacío en el mercado latinoamericano inspirándose en plataformas exitosas de crowdfunding de los Estados Unidos, como es por ejemplo Kickstarter.

Ayer, en víspera del lanzamiento de la iniciativa en Chile, nos reunimos con el CEO Sebastián Uchitel, que nos contó que el desafío para los potenciales usuarios es  presentar su proyecto de manera atractiva para cautivar a la gente, y ofrecer recompensas a cambio de donaciones. Las recompensas suelen ir desde un sencillo agradecimiento para la donación mínima hasta material único para las más sustanciosas. Por ejemplo, si yo quisiera escribir un libro, y calculo que para eso necesito USD 20.000, puedo ofrecer un mail de agradecimiento para las donaciones de USD 5, una mención en los créditos para las donaciones de USD 20,  una edición autografiada para las donaciones de USD 100 y para el valiente que done USD 1.000, le dejo ponerle nombre a uno de los personajes. Eso es una recompensa creativa que no sacrifica la propiedad del libro como en el modelo de inversionistas, sino que suma valor a lo que ya es el valor intrínseco de la idea.

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Le preguntamos a Sebastián sobre el contraste con la idea de los aportes de capital, y nos recalcó que Idea.me no buscan financiar negocios, por lo que mantienen su nicho muy definido en torno a la realización de proyectos, objetos materiales o conceptuales, y lo importante es que tengan un principio y un fin.  Se postula un proyecto explicando qué es, qué hace, en qué categoría calza y cuánto dinero se necesita. La organización de Idea.me recibe esa propuesta y decide si darle curso, en cuyo caso contactan al autor para seguir trabajando, dando origen a una presentación que usualmente combina video, fotos y texto y en donde el artista o creativo explica a la gente lo que quiere hacer. Idea.me no les pide un plan de negocios ni un presupuesto detallado (esas cosas espantan a los artistas) pero sí los asesora para que pidan una cantidad acorde a su proyecto: ni tan poco como para que luego se queden cortos, ni tanto como para que el proyecto no llegue a la meta. Esto es muy importante, porque si el artista dice que necesita USD 5.000 y no logra reunirlos, Idea.me no le pasa el dinero sino que lo devuelve a quienes donaron. Por lo mismo, el artista tiene una motivación de no dormirse en los laureles sino mover sus redes sociales al máximo para llegar a la meta. De todos modos, incluso un proyecto que no cumple la meta logra cierta figuración, y por otro lado que no lleguen a la meta en Idea.me no significa que no puedan realizarse igual, como el caso del Eolian, que no se financió en Idea.me pero igual se hizo y participó del Atacama Solar Challenge.

¿Qué tipo de proyectos pueden encontrarse? Hay de todo. Por ejemplo en Chile tienes Pewen Collector, un videojuego para iPhone que rescata elementos de la cultura indígena:

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Idea.me lleva varios meses funcionando en Argentina, de modo que en aquel país tienen más material que mostrar. Francamente hay videos extraordinarios cuyo nivel de producción sorprende como Cada día una Copita

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No hay mucho más que contar. La plataforma no está destinada más que a simplificar las cosas y posiblemente poner un filtro para seleccionar las obras más viables, pero el verdadero contenido, la magia de Idea.me está en los proyectos que se presentan. En los talentos que ahora pueden quedar al descubierto gracias a la web y a esta herramienta en vez de permanecer siempre en circuitos de poca figuración donde generalmente se relega a los artistas menos populares o sin amigos famosos.

Los dejamos con algunos proyectos en curso que están esperando tu aporte.

We Are Sudamerican Beats

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Vinos de Chile

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R3DESCUBRE

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El sistema funciona conectando una pequeña cajita receptora en el borde del papel o block. Luego dibujas como siempre con el lápiz especial, y tu trabajo se guardará directamente en versión digital (incluso con vectores) para que puedas retocarlo más tarde en el PC.

Wacom dice que el sistema también permite crear capas mientras dibujas en papel, apretando un botón. Los archivos pueden guardarse en JPEG, BMP, TIFF, PNG, SVG y PDF y usarse en cualquier software que lea estos formatos. También se ofrece la opción de transferir directamente los dibujos a Photoshop, Illustrator y Autodesk Sketchbook Pro.

El lápiz será lanzado en las próximas semanas a US$199,99.

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Link: Inkling (Wacom vía Techcrunch)

A veces el fan art puede tornarse un tanto perturbador y horripilante. Pronto se viene la exhibición denominada Super Iam8bit en Los Angeles y una de las estrellas invitadas y que de seguro generará más conversaciones será esta taxidermia de un Koopa Paratroopa de Super Mario Bros (o en buen español, el pegoteo de una tortuga disecada y pintada con las alas de una gallina, también disecadas).

La obra de arte es de un tal Darick Maasen, y mide alrededor de 40x18x18 centímetros (y otros 23 cm de alas).

Por si las dudas, Maasen aclara que no mató ningún animal para confeccionar su creación.

Link: Man Creates Horrifying Taxidermy Koopa Paratroopa Out of Real Animal Parts (Geekosystem)

Iglesia de los Santos Juanes

Suena raro que exista una bacteria amante del arte, pero créanme, no me he vuelto loca al titular esta entrada. Existe, de verdad, un tipo de bacteria que es capaz de limpiar obras de arte de una forma rápida, específica, respetuosa con la pintura y no tóxica ni para el restaurador ni para el medio ambiente.

Hasta ahora, para acabar con las “costras salinas” que se forman en las obras de arte (y que lucen como manchas blancas sobre la pintura), se empleaban productos químicos reactivos, lo que evidentemente es una técnica agresiva, no selectiva y que a la larga resulta tóxica para el restaurador.

Otra opción utilizada para acabar con estas manchas es erosionar la costra con medios mecánicos, pero es un proceso laborioso que también puede dañar la pintura mientras se realiza… Cuando se emplean bacterias, en cambio, el proceso resulta totalmente inocuo para los restauradores, las pinturas y el medio ambiente y, además, es una manera eficaz, específica y rápida de acabar con el problema.

¿Cómo lo hacen? Pues la bacteria en cuestión no es una apasionada del arte ni nada que ver… Simplemente, se “come” ciertas irregularidades que le salen a las obras de arte por la acción del tiempo y diversos factores ambientales.

Por estos beneficios, investigadores de la Universitat Politècnica de València (UPV), están empezando a experimentar con esta novedosa técnica sobre los frescos de Antonio Palomino del siglo XVII en la Iglesia de los Santos Juanes de Valencia, en España.

Antecedentes

Ahora bien, seguro que a estas alturas te estás preguntando ¿cómo se enteraron unos restauradores de arte que una bacteria puede servir para devolverle su esplendor a obras de arte?

Pues todo surgió de una forma bastante particular, cuando este equipo de investigadores se encontraba en pleno proceso de restauración de los murales de la Iglesia de los Santos Juanes que quedaron prácticamente destruidos tras el incendio de 1936 y fueron intervenidos de manera inadecuada en la década de 1960.

En un principio, los investigadores ensayaban técnicas novedosas para rellenar los espacios sin pintura con imágenes digitales impresas transferidas, pero tenían grandes dificultades para tratar las “eflorescencias salinas”, que son unas costras blancas que le salen al mural, provocadas por acumulaciones de sales cristalizadas y la enorme cantidad de restos de cola de gelatina que permanece en los murales arrancados.

Por ello, parte del equipo de restauradores viajaron a Italia para conocer de cerca a los autores de unos estudios pioneros que se servían de bacterias para eliminar colas endurecidas de arranques muy difíciles de tratar con métodos convencionales.

Allí se reunieron con profesionales que conocen bien el proceso de restauración de las pinturas murales del Camposanto de Pisa, que fue realizada bajo la dirección de Gianluiggi Colalucci, restaurador de la Capilla Sixtina, y sus colaboradores, Donatella Zari y Carlo Giantomassi, quienes aplicaron esta técnica que usa bacterias y que fue desarrollada por el microbiólogo Giancarlo Ranalli.

“Entrenando” a las bacterias

Cuando el equipo de restauradores españoles volvió a España, con la libreta llena de apuntes y la cabeza llena de ideas frescas, con las que perfeccionó este método de biolimpieza y “entrenó” a la cepa de bacterias del género Pseudomonas más adecuada para que se alimentara de las eflorescencias salinas que encontraron en los lunetos de la bóveda detrás de los cuales anidan palomas.

Al respecto, Pilar Bosch, bióloga y doctora en Ciencia y Restauración del Patrimonio de la UPV, explica sobre las manchas blancas que vemos en las obras de arte, que estas se forman:

Por la acción de la gravedad y la evaporación, las sales procedentes de la materia orgánica en descomposición migran hacia las pinturas murales. Producen una costra blanquecina que además del evidente efecto visual no deseado, en ocasiones también provocan que se desprenda la capa pictórica de las paredes”.

Las bacterias sirven para eliminar estas manchas blancas porque básicamente “se comen” las sales que las forman. Los científicos de la UPV han logrado rebajar el tiempo de aplicación de las bacterias y, además, han innovado en la manera de extenderlas, tal como explica la propia doctora Bosch:

En Italia emplean algodón para aplicar los microorganismos sobre la zona a tratar. Nosotros, en cambio, hemos desarrollado un gel que actúa en superficie, lo cual evita que la humedad penetre en profundidad en el material y provoque nuevos problemas. Tras hora y media, se retira el gel con las bacterias, se limpia la superficie y se deja secar”. Aquellas bacterias restantes mueren al no ser capaces de sobrevivir sin un entorno húmedo”.

Por los momentos esta técnica se ha probado en dos lunetos de la Iglesia de los Santos Juanes y se espera aplicarlo en otros dos también situados en el tercio de la iglesia donde el Instituto está actualmente interviniendo para restaurarlos.

Estos restauradores destacan que la técnica puede servir para otros procesos de recuperación de obras de arte afectados por otro tipo de daños propios del paso del tiempo y la acción medioambiental, porque como bien sabemos en la naturaleza encontramos diferentes especies de bacterias que se alimentan de casi cualquier cosa, por lo que seguramente se podrán usar para eliminar otras sustancias en diferentes tipos de materiales.

Sin duda una forma muy útil, práctica y económica de devolver a las obras artísticas su esplendor original, así que espero que estos restauradores sigan el desarrollo de este tipo de técnicas que nos permitirán alargar la vida de las piezas artísticas para el disfrute de esta y las futuras generaciones.

Link: Bacterias que limpian obras de arte (Agencia SINC)

Probablemente si yo fuera artista, hubiera acabado haciendo esculturas de esta índole, porque mi máxima aproximación con la naturaleza no distaba mucho de mi estrecha relación con la cacería de patos silvestres… en el Duck Hunt del NES.

Shawn Smith hace un poco eso: Transforma imágenes de la naturaleza en piezas de arte tridimensionales que asemejan esculturas de 8-bits (hay galería tras el salto).

Usando pequeños bloques de madera que hacen las veces de pixeles, Smith explicó a Wired que “he trabajado toda mi vida con el retrato de objetos y naturaleza en pantallas y me pregunto cómo se verán estas cosas en tres dimensiones. No quería sólo recrear algo que hubiera visto en un videojuego y comencé a interesarme más en lo que aprendí durante mi vida desde los computadores que no experimenté directamente”. Bueno, probablemente yo no hubiera respondido tan lindo.

Y no se trata tan solo de la representación de animales con esta técnica, sino que además le gusta ubicarlos en una realidad distinta, como sucede con los buitres de su obra Vicious Venue (en la foto de arriba) donde se preguntó “qué comería un buitre digital si de alguna manera estuviese atrapado en la realidad”, y así con su obra.

Para concebirlos, Smith explica que hace dibujos arquitectónicos de las vistas frontal, superior y de costado, para luego cortar y pintar a mano cada “pixel” con una mezcla de tinta y pintura acrílica y finalmente ir pegándolas.

Acá la galería con el trabajo de Shawn Smith:

Link: Artist Gives Nature the 8-Bit Treatment (Wired)

Un nuevo algoritmo desarrollado por los israelies Johannes Kopf (de Microsoft) y Dani Lischinski (de la Universidad Hebrea) permite transformar los ochenteros y pixeleados personajes de videojuegos de 8-bits en suaves dibujos que incluso no sufren en su apariencia al ser agrandados.

El algoritmo utiliza una combinación de análisis de pixeles y curvas segmentarias para suavizar los dibujos incluso de mejor manera que otros programas con procesos de vectorización, como Adobe Illustrator. Así resuelve dónde se encuentran las conexiones importantes entre los pixeles y luego les da una nueva forma para que limiten con los demás cuadros con bordes cardinales y diagonales para culminar en formas asimétricas.

En la imagen, algunos de los personajes emblemáticos con versiones logradas anteriormente y al medio las de Kopf y Lischinski. Para los más nostálgicos, acaso verdaderas obras de arte.

El resto del trabajo de esta dupla puede revisarse en su sitio.

Link: New Algorithm Impressively Depixelates Pixel Art (Geekosystem)

Imagina la escena. Por fin, después de tanto tiempo, has encontrado a la persona perfecta para pasar tu vida junto a ella. Están uno junto al otro, en el día más significativo de sus vidas. Entonces, el hombre frente a ustedes dice unas palabras, los fotones cercanos a ambos cambian sus propiedades fotoeléctricas y se sincronizan, uniéndolos para siempre.

Así es, no suena como la boda tradicional en la que pensaste cuando conociste a esa chica de ojos inquietos o a ese joven galante. Y no lo es. En el AC Institute, un laboratorio de arte experimental, puedes unirte para siempre a tu media naranja por medio de entrelazamiento cuántico.

El procedimiento, ideado por Jonathon Keats, artista y filósofo, consiste en situar cristales no lineares entre la pareja que quiere unir sus partículas y la luz del sol. Esto entrelazaría los fotones  de esos rayos solares que los iluminan. Luego, por medio de prismas, se separan los pares de fotones, mismos que transfieren sus propiedades fotoeléctricas a cada uno de los sistemas cuánticos. Es decir, a cada una de las personas que se unen. Esto significaría que, de manera individual, poseerían partículas que son completamente idénticas y que cambian si la otra lo hace, sin importar la distancia o el tiempo (inserte música de violines aquí).

Esta boda es completamente inocua, además de que es una gran simplificación de las teorías de Einstein, Podolsky, Rosen y Schrödinger (y no tiene validez legal alguna), pero ¿no te gustaría decirle al amor de tu vida que quieres que sea el balance de tu ecuación y que deseas compartir partículas en entrelazamiento cuántico?

Las bodas se realizarán en el AC Institute, en Nueva York, del 12 de mayo al 18 de junio de este año.

¡Qué vivan los sistemas cuánticos! Digo, los novios.

Link Quantum Marriage (The Mary Sue)

¿Dónde está Wally? En un chip.

Hacer un chip no es un proceso nada fácil, se requieren máquinas muy precisas y caras y los ingenieros que los diseñan tienen que tomarse su trabajo muy en serio.

O quizás no tanto.

Resulta que los diseñadores de microchips frecuentemente esconden pequeños dibujos dentro de los semiconductores. A veces son personajes de series animadas o incluso mensajes, metidos entre medio de los circuitos. Las imágenes sonde tamaño minúsculo, por lo que a simple vista no se ve nada.

Aunque el diseño de los chips es para meter ahí los circuitos, a veces queda un poquito de espacio en blanco. ¿Por qué no meter ahí un diseño? La única gente que los podría ver son los supervisores de los ingenieros y gente que hace análisis con microscopios, con en el caso de la compañía Chipworks, que recolectó las imágenes que se pueden ver abajo.

La empresa se ha dedicado a analizar muchísimos chips, separándolos por capas y observándolos bajo el microscopio.

Los dibujos se hacen en el mismo proceso que se usa para ensamblar un chip. Los diseños se dibujan en las placas de fotolitografía que luego se usan para “imprimir” los circuitos de un semiconductor, con capas de silicio, dióxido de silicio, aluminio y otros materiales. Es un proceso complicado que requiere muchísima precisión.

Pero si uno de los “moldes” viene con un dibujo, éste se replicará de forma masiva en toda la partida. “Su existencia es un tributo a la creatividad de los humanos, surgiendo desde la profundidad de un proceso muy complejo”, opina Chipworks. Por otro lado, también es una forma para los ingenieros de “firmar” su obra de arte.

Link: Gallery: Microscopic art hides inside computer chips (Wired)

Un total de 101 músicos de 33 países, elegidos a través de YouTube, se reunieron este fin de semana para tocar en un gran concierto en el Opera House de Sydney. El concierto ahora está disponible en el sitio de videos para el disfrute de todo el mundo.

Los músicos audicionaron para participar en la orquesta a través de YouTube, enviando sus videos a los jueces, quienes eligieron a los participantes (incluyendo músicos de Brasil, Colombia, Ecuador, México y Puerto Rico).

Los músicos viajaron desde todos los rincones para esta presentación en vivo, que incluyó videos y entrevistas a los integrantes de la orquesta.

Link: YouTube Symphony Orchestra 2011

Antes de gritar “¡yo las quiero!”, tengan claro que en este momento estamos hablando de arte y no de calzado deportivo ultra tecnológico. Pese a estar hechas en base a cientos de desperdicios electrónicos como chips, conectores, puertos USB, placas madres, circuitos y teclas de máquina de escribir, las zapatillas Nike Air Max 2011 de Gabriel Dishaw no serían útiles ni para ir desde la cama al baño.

El oriundo de Indianápolis, Estados Unidos, lleva toda una vida invirtiendo sus ratos libres en la composición de este tipo de esculturas, aprovechando cada pieza que de otra forma sólo iría a parar al reciclaje. Arte basura, que le llama. Este modelo, lleno de los detalles del original, le llevó 90 horas de producción.

Si aún las quieren para lucirlas en la calle, no dejen de revisar la galería tras el salto para enterarse de los pernos que acabarían incrustados en sus empeines.

Pero estamos de acuerdo; tienen su encanto y son una muy buena réplica. Quizás las tendría… de adorno.

Link: Junk art Air Max 2011: An interview with Gabriel Dishaw (Freshness)

Un grupo de diseñadores noruegos contruyeron un artefacto que mide y proyecta con luz la intensidad de la red Wi-Fi en tiempo real. Esta herramienta es una barra de unos 4 metros de altura y contiene 80 LEDs, los cuales se encienden y parpadean según sea la fuerza de la señal en ese específico lugar.

Estos muchachos se pasearon por Oslo, durante un invierno nórdico, captando y proyectando con luz la red Wi-Fi. Al mismo tiempo hicieron fotografías de larga exposición para que la red de información se pintase en estos espacios urbanos. El video en la parte superior de este post es como un vide0clip-documental que muestra esta acción artística-digital.

Para finalizar les doy el dato de estos noruegos, se llaman: Timo Armall, Jørn Knutsen y Einar Sneve Martinussen. Y si quieren saber más de este proyecto pueden ir a su website llamado YOUrban.

Link: Designers visualize Wi-Fi Networks with Light Painting (Switched)

Instancias como esta debieran dar la vuelta al mundo, ya sea habiendo uno en cada país o saliendo de gira, pero bueno. El asunto es que el Smithsonian American Art Museum anunció que está preparando una muestra denominada “El Arte de los Videojuegos”, en la cual se repasarán los 40 años de evolución de los juegos de video a través de los títulos más representativos de cada época, plataforma y género, desde los más rústicos y hasta los más sofisticados.

Y como la gente de encargada de la exhibición es inteligente y sabe que no es terreno seguro imponer qué juegos deben conformar el listado y correr el riesgo de ser linchados en la plaza pública por dejar fuera algún pilar de esta historia, definieron abrir votaciones para todos quienes se registren y elijan sus 80 títulos indispensables, dentro de un listado de 240 juegos. O poner el grito en el cielo porque no consideraron ese que (sólo tú) tanto añoras.

Dichos 240 juegos están segmentados en cinco eras: Start! (1970 a inicios de 1980), 8-bit (1983-1989), Bit Wars (1989-1994), TRansition (1995-2002) y Next Generation (2003-presente).

Como el enfoque es artístico, la organización pide enfocarse en elementos con efectos visuales llamativos, el uso creativo de nuevas tecnologías y los artistas y diseñadores más influyentes. Así que los votantes deben considerar ese aspecto al momento de sufragar, aun que no creo que esa sea la principal motivación, para nada.

La votación está abierta hasta el 7 de abril y la muestra se exhibirá el 2012; entre el 16 de marzo y el 30 de septiembre. E insisto: tras eso, debiera iniciar una gira mundial.

De momento, ¿cuáles son para ustedes los títulos que no pueden quedar fuera de la exhibición de la historia de los videojuegos?

Link: Smithsonian To Feature Video Game History (International Business Times)

El Vaticano ha creado una versión digital de la famosa Capilla Sixtina, que expone la obra maestra de Miguel Ángel. Si no has tenido la oportunidad de verla en vivo, ahora podrás visitarla desde la pantalla de tu PC con este súper panorama de alta definición.

Se trata de una de las mayores obras de arte del mundo, y ahora al menos podemos apreciarla bastante mejor que en láminas de libros.

Link: El Vaticano

Alexandre Oudin es un artista francés que decidió hacer algo con su perfil de Facebook para sorprender a todo el mundo, y convencernos de que se puede hacer arte en Facebook.

El resultado es el sorprendente perfil de arriba, que aprovecha de forma original e innovadora el nuevo diseño de la red social, usando cinco imágenes para expresarse.

¿Cómo se puede tener un perfil como ése? Mira después del salto.

Click aqui para ver el video.

En realidad no es tan complicado, pero necesitarás ayuda del Photoshop. Básicamente la idea es elegir una foto grande de ti mismo y dividirla. La imagen de perfil (la grande que va a la izquierda) debe tener 532 px de alto y 180 px de largo, mientras que las imágenes pequeñas deben ser de 97 px por 68 px. Ojo que el tamaño tiene que ser exacto para que funcione.

Luego, sube todas las imágenes a una carpeta en Facebook. Cuando estén arriba, tienes que etiquetarte en ellas, empezando por la última imagen primero (de atrás para adelante). Cuando llegues a la imagen grande, simplemente selecciónala como imagen de perfil.

¡Y listo! Ya puedes ponerte a experimentar y hacer quizás cosas como ésta:

Click aqui para ver el video.

Link: How to recreate that Facebook profile picture hack (TechCrunch)

Hace un par de semanas les contábamos que un profesor de fotografía y artista iraquí de la Universidad de Nueva York se implantaría una cámara fotográfica en la nuca para registrar todo lo que suceda detrás suyo durante un año completo. ¿No creías que fuera a hacerlo? Lo hizo nomás.

En rigor, Wafaa Bilal no se incrustó la cámara propiamente tal, sino sólo una placa de titanio a la cual se adosa magnéticamente la cámara. Una pequeña pillería, pero es la misma cosa; igual de demencial.

Si aún te quedan dudas de que lo hizo, revisa el video con el procedimiento tras el salto:

El proyecto -llamado The 3rd I- comienza a operar este mes, por lo que aún le queda un tiempo para terminar de recuperarse de la intervención quirúrgica y transmitir en vivo las imágenes que irán siendo registradas con un intervalo de un minuto entre una y otra, y sin importar qué actividad esté realizando.

Las imágenes van a dar a un pequeño computador que llevará consigo a todas partes en un bolso creado especialmente para el proyecto. Físicamente, la “obra” estará emplazada en el museo árabe de arte moderno Mathaf de Qatar, lugar donde se podrá ver al instante el material.

Click aqui para ver el video.

Link: New York professor installs camera in head (CNN)

Optimus Prime jamás pensó correr riesgos en su sigiloso paso por Holanda, pero bastante mal le fue en Festival de Hielo de la localidad de Roermond, donde acabó congelado y pasó a ser parte de la muestra.

Ocho metros de hielo esculpido con la forma del líder de los Autobots y registrados por el tuitero Gamemoredude. Genial obra de arte, pero ojalá Megatron no se aproveche del pánico y se apodere de todos nosotros mientras los buenos se encuentran acéfalos…

Link: Giant Ice Transformers Sculpture (Neatorama)

A varios no les gustó mucho que el anuncio de Apple de hoy fuera la disponibilidad de la discografía de los Beatles en iTunes. Algunos se enojaron tanto incluso, que dijeron “ya no voy a usar iTunes más!” y le dispararon a su iPhone y después le pusieron una bomba al Macbook.

Bueno eso último lo estamos inventando.

La cosa es que el artista Michael Tompert junto con el fotógrafo Paul Fairchild destruyeron un montón de equipos de Apple para hacer una galería artística.

Aunque uno podría pensar que ambos odian la marca, Tompert afirmó que “he sido admirador de Apple desde el primer día”.

La inspiración le llegó a Tompert la Navidad pasada, cuando le regaló a sus hijos unos iPod Touch. Los chicos comenzaron a pelear por los equipos, y cansado de la disputa, Tompert tomó uno y lo lanzó furiosamente al suelo.

“Estaban shockeados – la pantalla estaba rota y el líquido se salía. Tomé mi cámara y lo fotografié”, dijo Tompert.

Luego, compró 12 productos de Apple y los destruyó para tomarles fotos. “Tenían que ser productos nuevos. Es sobre nuestra relación con las cosas nuevas”, dijo el artista. El más difícil de hacer pedazos fue el iPad. “Es prácticamente indestructible”, dijo. El equipo resistió golpes de objetos contundentes y otros, por lo que Tompert usó un soplete y calentó el aparato hasta que los interiores comenzaron a hervir y el equipo estalló.

Para los amantes de Apple, mejor ni miren la galería. Para los que quedaron enojados con el anuncio de la mañana y para los que le tienen antipatía a la manzana, adelante.

Links:
- Apple destroyed products (Fubiz)
- Destroyed Apple products become photographic works of art (Los Angeles Times)

Podría apostar a que la mayoría de nosotros hicimos barquitos de papel con las servilletas cuando éramos chicos y que, al comprobar que en realidad su papel ya entonces era bastante absorbente, buscamos otros materiales para que tuvieran mayor duración sobre el agua. Es más, ¿quién no llegó a usar las hojas de los blocks de dibujo de las clases de arte (y otros) para conseguir el barco más grande de la armada?

Así mismo, más de alguno soñó con poder abordar y capitanear su propia embarcación de pulpa de celulosa y eso fue lo que hizo el artista conceptual alemán Frank Bolter, que -con la ayuda de varias personas para poder ir doblando la enorme hoja- navegó por el río Támesis en Londres en el “HMS Origami”.

Pero hizo “trampa”. Así como nosotros cambiamos las servilletas por hojas de block, Bolter hizo su papiroflexia a partir de tres rollos de cartón Tetra Brik (el material de las cajas de leche o jugo), ensamblados con una pistola aire caliente (como un secador de pelo, pero de uso industrial) y convirtió el pliego en un bote de 5,4 metros de eslora. Cabe señalar que la gracia y regla del origami es que no se puede usar pegamento, y aunque en rigor no lo utilizó, sí debió fusionar los pliegos de cartón.

Y más trampa aún: no lo fabricó para navegarlo él mismo, sino que metió a un pobre periodista británico en su lugar. “Lo construí para que se hundiera”, reconoció Bolter, y claro, las aguas londinenses no son precisamente de las más cálidas. Pero para su sorpresa, el barquito no se hundió y su tripulante sólo se mojó por la lluvia que caía.

Tras el salto, una galería con las distintas fases de la nave de origami:

Link: All aboard HMS Origami (Daily Mail)

Figuras del mundo artístico como Laurie Andersen, Takashi Murakami, Marilyn Minter y Stephan Sagmeister están dentro del jurado que hizo la selección. Los videos se exhibirán en el museo Guggenheim en Nueva York y también estarán disponibles en YouTube para quien quiera verlos.

La interfaz para recorrer los videos seleccionados tiene algunos cambios de diseño respecto del YouTube normal que vale la pena mirar: quizás podría indicar que vienen cambios al sitio de video más popular del mundo.

Link: YouTube Play Biennal

(c) Star Wars: Visions

Hace no demasiado tiempo, y justo en nuestra misma galaxia, un grupo de 120 pintores e ilustradores decidieron homenajear a su culebrón saga espacial favorita con la edición de Star Wars Art: Visions. Un libro que recoge la particular mirada de toda una serie de artistas al universo creado por George Lucas.

El mismo Lucas se ha encargado de seleccionar a los participantes en el proyecto, escogidos entre una amplia variedad de estilos y géneros aunque afines al gusto del productor y director, que aprecia especialmente la pintura figurativa como la de los maestros renacentistas o más contemporáneamente la de paisanos suyos como Norman Rickwell o Maxfield Parrish.

Un gusto muy clásico y muy propio de alguien que como su amigo Spielberg pasó gran parte de su infancia leyendo comics y novelas de ciencia-ficción pulp cuya estética y contenidos influyeron decisivamente en la génesis de Star Wars (Flash Gordon, sin ir más lejos).

El libro, que saldrá  a la venta en noviembre, contiene ilustraciones curiosas, como ver a una stormtrooper femenina o al propio Lucas sirviendo unas copas en la taberna de Mos Eisley. ¿Alguien se habrá atrevido con Jar Jar Binks?

Link: Exotic Visions of Star Wars Inspire Portrait Artists (Wired)

Castaños rojos en el jardín público de Arles (1889)

El “efecto miniatura” (tilt-shift photography) es una técnica que implica el movimiento de la cámara y enfoques selectivos para convertir una escena del mundo real en una ilusión de un modelo miniatura. El efecto se puede lograr con lentes especiales o con Photoshop, y funciona bastante bien con fotografías normales.

Pero la artista Serena Malyon decidió probar a ver qué sucedería si se aplicaba el efecto a pinturas de Vincent van Gogh. El resultado son unas imágenes impresionantes.

Nada en las pinturas ha sido retirado, ni se han cambiado las proporciones de la imagen. El efecto se logra únicamente cambiando la luz en la escena y ajustando las áreas de la pintura que están más enfocadas.

No todas las pinturas resultaron tan bien, pero la idea era probar el efecto y algunas de verdad sorprenden. Pueden visitar el link más abajo para ver la galería completa en la Artcyclopedia.

Link: Tilt-shift Van Gogh (Artcyclopedia)

La exclusiva Universidad de Artes Seton Hill, en Pennsylvania, anunció que proporcionará iPads a sus alumnos, los cuales vendrán equipados con la aplicación Art Authority, desarrollada por we-Envision, que pueden ver en el video.

Según Alan Oppenheimer, desarrollador de la aplicación, ésta convierte al iPad en un “browser de Arte de Dominio Público”, proporcionando acceso a más de 40.000 obras que cubren desde el período bizantino a las obras de Basquiat.

A lo mejor no les suena Basquiat, pero en 1996 salió una película en donde el actor Jeffrey Wright personificó al artista pop neoyorquino Jean Michel Basquiat y en la que desfilaron actorazos de la talla de Christopher Walken, Willem Dafoe, Dennis Hopper, Benicio del Toro y hasta contó con David Bowie en el rol de Andy Warhol. La película en sí no era nada del otro mundo, pero en fin, no nos desviemos del tema.

Volviendo a lo que nos convoca, la aplicación Art Authority no sólo despliega las obras en cuestión, sino que provee un trasfondo cultural para ponerlas en contexto, a través -principalmente- de fuentes como Wikipedia.

La aplicación se usará -por ahora- en los cursos Arte Italiana Renacentista y Arte del Siglo XX, los cuales empezaron a dictarse este semestre o sea antes de ayer. Pero este browser de arte es sólo una arista de un plan más ambicioso que tiene la universidad, la cual pretende explorar exhaustivamente las posibilidades educacionales del manzanístico aparato. Por ejemplo, todos los libros de cátedra de las distintas carreras irán publicándose en el  iBookstore, y además cada estudiante recibirá un Macbook Pro de 13″.

La conectividad será provista por una red omnipresente equipada con WiFi a/b/g/n, switches de 1gb,  acceso a internet de alta velocidad (no dicen cuánta) ofrecida por el proveedor Level 3. La seguridad y el manejo involucrados se controlan en forma centralizada y el proyecto como un todo le salió a la universidad más o menos medio millón de dólares.

Por supuesto que nada es gratis en la vida, y menos en un lugar tan exclusivo como la Universidad Seton Hill. Para recibir los correspondientes iPads y Macbooks, hay que adscribir a un plan que cuesta USD 500 por semestre, bautizado como “All In Mac”. Al final de la carrera, te llevas los aparatos para la casa.

El plan suena relativamente conveniente (dependiendo de la duración de la carrera) pero habría que considerar que, además, cuando asistes a una universidad que cobra USD 140.000 anuales, añadirle  un 0.7% extra es un pelo de la cola. Por otro lado,  también se me ocurre que si estuviera dispuesto a pagar esa cantidad para estudiar arte, me saldría más fácil comprarme un museo, pero eso es nada más una idea consumista.

Link: Seton Hill University to Give Students iPads, Art (Readwriteweb)

Los videos más artísticos de YouTube ahora estarán nada menos que en el Museo Guggenheim de Nueva York, gracias a un acuerdo con Google que es parte del proyecto YouTube Play: A Biennial of Creative Video.

Todo el mundo puede postularse con un video hasta el 31 de julio, subiéndolo en YouTube.com/Play. Se seleccionarán primero 200 videos finalistas, de los que se seleccionarán entre 20 y 25 ganadores. Los videos que ganen serán anunciados el 21 de octubre, y además de aparecer en YouTube, también serán desplegados en un show ese día en Nueva York en el museo Guggenheim y otros museos alrededor del mundo, incluyendo Bilbao (España), Venecia (Italia) y Berlín (Alemania).

No hay limitaciones respecto al contenido que se puede enviar, pueden ser documentales, videos stop-motion, animaciones, clips de música, lo que sea. Los videos enviados serán evaluados por representantes del Museo, incluyendo a la curadora de la Fundación Solomon Guggenheim, Nancy Spector y “expertos del mundo de las artes, diseño, películas y video”.

Así que si crees que tienes una obra maestra en tu cajón de videos, esta es la oportunidad de que esa pieza pueda ser exhibida en los mayores museos del mundo.

Click aqui para ver el video.

Link: YouTube videos to become high art at the Guggenhein (PCWorld)

Hungry Wizard del clásico Gauntlet por el pintor Jeremy Yesca

Los videojuegos se han convertido en una cultura con  más de 30 años de vida (desde el lanzamiento de Pong, el primer juego de la historia en 1974) y a pesar de la complejidad o realismo de los actuales productos, difícilmente se logra dejar una huella tan profunda en las personas como lo han hecho los grandes clásicos de la industria.

De esto se trata Game Over III, una muestra colectiva dedicada a rendir homenaje a la evolución de los videojuegos y a la influencia de muchos de ellos en la cultura popular.

Desde los primeros juegos de 8 bits y las consolas hogareñas hasta los tanques comerciales como Super Mario, Pacman, Street Fighter o Mortal Kombat, están representados en esta muestra en la que participan con sus obras, varios artistas, pintores, diseñadores, dibujantes e ilustradores, utilizando sus técnicas y estilos para interpretar desde su óptica algunos de los hitos de la historia de los fichines.

Entre algunos de los máximos exponentes de la cultura y el diseño  se podrá disfrutar de las obras de jóvenes artistas como Sasha Barr, Kris Chau, Shawn Cheng y Ryan De La Hoz. En Flickr se puede ver una galería con muestras de algunas de las obras que se expondrán.

Game Over III estará abierta al público durante todo un mes en las galerías de la revista Giant Robot, en San Franciso, California.

Link: Classic Videogames Mutate in Game Over Art Show (Wired) ]]> http://www.fayerwayer.com/2010/03/videojuegos-clasicos-convertidos-en-obras-de-arte/feed/ 20 http://www.fayerwayer.com/2010/02/fotografia-todo-en-la-naturaleza-son-matematicas/ http://www.fayerwayer.com/2010/02/fotografia-todo-en-la-naturaleza-son-matematicas/#comments Wed, 03 Feb 2010 21:45:08 +0000 Boxbyte http://www.fayerwayer.com/?p=53835

Pitágoras afirmaba que todo era matemáticas, por eso estudio y clasificó los números toda su vida. En un sentido sensible, la armonía era musical; pero su naturaleza inteligible era de tipo numérico, y si todo era armonía, el número resultaba ser la clave de todas las cosas.

Ahora Nikki Graziano, una estudiante de matemáticas y fotografía en el Rochester Institute of Technology, nos ayuda a reconocer las funciones en la naturaleza gracias a la superposición de  gráficas y sus ecuaciones correspondientes en sus fotografías cuidadosamente integradas. Graziano no sale en busca de una función específica, pero siempre encuentra una correspondiente sus fotografías.

Link: Arts: Photographer Loves Math, Graphs Her Images (Wired)

Mona Lisa + Da Vinci (Imagen: Boxbyte / FW Research Labs)

Científicos italianos buscan desenterrar los restos de Leonardo da Vinci con el fin de determinar si su pintura más famosa, la Mona Lisa, es en realidad un autorretrato encubierto, como dice una de las múltiples historias respecto a esta pintura.

Da Vinci, que murió en 1519 a los 67 años, fue enterrado en el castillo de Amboise, en el Valle del Loira, en Francia, que fue destruido después de la Revolución Francesa en 1789. Se cree que sus restos fueron enterrados de nuevo en la pequeña capilla del castillo de Saint-Hubert en 1874.

Tradicionalmente, se piensa que la persona en la famosa pintura “Mona Lisa” ha sido Lisa Gherardini, la esposa de un rico comerciante florentino. Sin embargo, es sólo una de la muchas especulaciones que incluyen varias mujeres, incluída la misma madre de Da Vinci.

La artista Lillian Schwartz ha usado los programas de computadora para identificar las similitudes entre las características de la Mona Lisa y uno de los verdaderos retratos de da Vinci.  Algunos estudiosos sugieren que la supuesta homosexualidad de Da Vinci y el amor por los enigmas le inspiró a pintarse a sí mismo como una mujer.

De concederse el permiso, los investigadores italianos planean verificar que los restos de Saint-Hubert sean de da Vinci mediante el uso de carbono (14) para determinar la edad de los restos, así como comparar muestras del ADN de los huesos y los dientes con los de varios descendientes varones enterrado en Bolonia, Italia. Estas pruebas podrían revelar cómo murió da Vinci ya que actualmente se desconoce la causa, de esta manera enfermedades como la tuberculosis, sífilis o intoxicación por plomo, podrían aparecer en los huesos.

Link: Is the Mona Lisa a Self-Portrait? (Physorg)

Hilarofustis atarium (comúnmente conocido como el joystick de Atari)

Estos “fósiles modernos” fueron realizados por el artista Christopher Locke con el apoyo de Austin Computer Works (una empresa para el reciclado de equipo electrónico) quién presto las piezas para crear el molde. Cada pieza resultante está hecha de una mezcla patentada con pigmentación y variación de color para dar un toque realista. El resultado, son fósiles (con nombres en latín) de tecnología arcaica real que alguna vez fue de vanguardia.

La mayoría de estos ejemplos fueron descubiertos en Estados Unidos, aunque varias especias especies están representadas en todo el mundo. Es triste, pero la mayoría de estas unidades llevaban una vida muy corta. Las personas atribuyen su corta vida a los predadores agresivos o la evolución acelerada, pero esto no es necesariamente cierto. Se ha demostrado recientemente que el deceso de la mayoría de estos ejemplares procedía del consumismo desenfrenado y el despilfarro en extremo del nivel superior en la cadena alimenticia.

Estas piezas se encuentran a la venta en el sitio web de su creador y el precio va de 50 a 200 dólares.

Repondicium antiquipotacium (comúnmente conocido como disquete de 3,5 pulgadas)

Link: Extinct modern technology presented like fossils (ThisBlogRules, vía Microsiervos)

Link: Geeky Grafiti (Kontraband vía Digg)

Dibujo Homero: (cc) Meowza Katz

Aviary se fusiona con una de nuestras series de TV predilectas, los Simpsons, en esta artística colección creada íntegramente usando la aplicación Phoenix por Meowza Katz.

Las obras originales llevadas a Springfield son:

• Edvard Munch’s El Grito
  
• Norman Rockwell’s Triple Autorretrato
  
• Grant Woods’ American Gothic
• Andy Warhol’s Marilyn Monroe
• Vincent Van Gogh’s Autorretrato
• Johannes Vermeer’s Niña con arete de perla
  
• Leonardo Da Vinci’s Autorretrato

Link: Famous Art, Simpsonized (Aviary)

Imagen: MadPixel

El Museo Nacional del Prado (Madrid), uno de los museos europeos más importantes por sus colecciones de cuadros de maestros de los siglos XVI al XIX, ahora puedes visitarlo por medio de Google Earth.

Podrás recorrer el museo en 3D y observar a gran detalle obras como la de Velázquez, Goya, Rubens y admirar el único cuadro de Rembrandt, “Artemisa”. Ponerte en los Zapatos de Toulouse-Lautrec y Dalí que en algún momento visitaron y admiraron el museo.

Gracias a que las obras fueron capturadas en el formato Gigapixel de alta resolución de 14.000 millones de píxeles es posible ver con todo detalle los trazos y pinceladas del autor o incluso el craquelado del barniz.

Este trabajo fue posible gracias a la colaboración de Madpixel, Google y el Museo del Prado, que crearon un modelo 3d que puede verse en Google Earth, como también un “mapplet” para ver las obras en Google Maps.

Este tipo de colaboraciones se suman a proyectos como HAL9000, que digitalizó obras como “La Última Cena” de Leonardo Da Vinci y ponen el arte al alcance de todos por medio de la tecnología.

Click aqui para ver el video.

Link: El Prado en Google Earth